1968年5月9,10日　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオで録音。グールド78枚目のアルバム。

これが珍しいうえに素晴らしいのだ。どちらも素晴らしいのだが・・・・やはりグールドがより素晴らしい。弦を担当しているジュリアードSQも溌剌としているのだが、グールドのピアノがキラリキラリと光る。実に爽快だ。曲は1842年の所謂『室内楽の年』と言えそうなシューマンの絶頂期の作品で僕の知る限りこの曲の決定盤がこのアルバムだと思う。これも隠れた名盤ということになりそうだ。

録音はいずれもロッケンハウス音楽祭にて1981・1982・1984年のものから録られている。ギドン・クレーメルが1981年に始めたロッケンハウス音楽祭は、毎夏オーストリアにて室内楽の音楽フェスティバルを開催しているものだ。彼の著書『琴線の触れ合い』の中に詳細が出てくるが、クレーメルは自ら演奏したいもののためにこの音楽祭を始めたらしい。言ってみれば商業主義と無関係な状況で自らがやりたいと思う音楽をやりたいメンバーとやるという意思表示だ。ECMのマンフレート・アイヒャーがそれをジャズと同様にアーティストの意思のまま見事な録音で残している。

著作『琴線の触れ合い』の中で散々出てくるのだが、特にアバドとやった『四季』のレコーディングではグラモフォンともアバドとも意見がまったく合わず、クレーメルは辟易したらしい。そういうビッグ・ネームの組み合わせだけに注力し、アーティストの自由意思に背を向ける商業主義のアンチ・テーゼがこのアルバムということになる。録音メンバーには旧友のオレグ・マイセンベルグだけでなく、重鎮アロイス・コンタルスキーなど様々な面子が加わっていて実に面白い。

そしてこのアルバムは、CD1がフランスものを、CD2がロシアものを取り上げるように意図的にできていてまた面白い。特に名演はストラヴィンスキーの『兵士の物語・・・』だと思う。クレーメルの意思を示す最初の一歩だ。

相田みつをさんの詩は以前から大好きですのでいくつもレビューを書いてきましたが、まさか音楽で推薦出来る機会があるとは…考えてもおりませんでした。

深夜のテレビで「島谷ひとみさんが歌っている姿」が写りましたので相変わらず綺麗だな…と観ていたのですが、「あれっ？…とても歌詞に説得力があって素晴らしい…んっ？？、だけどどこかで聞いた歌詞だなあ…おお！！」と驚いて新譜の検索をしてみました。

そして本日、東京は前日に店頭に並ぶCDショップが多いので購入してじっくりと聴いてみました。素晴らしいですね。

１）相田みつをさんの詩、独特の世界がきちんと表現されている素晴らしさ。
２）島谷ひとみさんの綺麗な声。歌唱力。歌詞をじっくり読み込んだのでしょう。説得力が見事に歌になっています。
３）そして、極めつけは作曲の素晴らしさ。そしてこの曲を敢えて「レゲエのオフ・ビート」にした事で詩も歌もメロディーも活き活きとマッチングしています。

既に着メロ、等の世界では先行して売れているという情報もCDショップから教えていただきました。

宇多田ヒカルさんの曲で僕は「メロディーが復活してきた」という内容のレビューをしました。ジェロさんのレビューでは「うたごころ」「歌唱力」の素晴らしさをレビューしました。が、今度は「メロディー」「歌唱力」に加えて「相田みつをさんの詩の素晴らしさを歌詞として歌で伝える」事の素晴らしさを聴く事が出来ました。

もちろん、島谷さんならではの明るい歌唱力、そしてレゲエを使ったアレンジの素晴らしさにも驚きです。お薦めします。しかし、相田みつをさんの詩には改めて深みを感じますね。

ピアノ・ソナタ第11番 K.331は、1965年12月、1970年8月　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオ、ピアノ・ソナタ第15番 K.533/K.494は、1972年4月　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオ＆1973年3月　トロント、イートンズ・オーディトリアム、幻想曲 K.397は、1972年11月5日　トロント、イートンズ・オーディトリアムで録音。グールド48枚目のアルバム。

ここでのピアノ・ソナタ第11番の演奏はゴルドベルグ変奏曲に次いでグールドの演奏の中では有名だと思う。実は5年ものスパンが空いて録音している。つまりはここにも見えない何万種類もの解釈が存在していて、グールドの下した結論がこの録音であるということが重要なのだ。最も反感をかったこの弾き方も快速強弾のグールドの指からくりだされているからより意味は深い。言ってみれば超剛速球投手が超スローボールを投げてきているのに似ている。まあ、まちがってもグールドは速球派とは言えないが、だ。

しかしながらこの演奏から見えてくるモーツァルトはやはり大きな発見であることは間違いない。好き嫌いを超越した演奏である。そして間違いなく今後も語り継がれる演奏である。それこそがグールドの目指したものなのだろう。

第2番が1969年、第3番が1967年、第4番が1969年、第5番が1958年、第7番が1967年に録音。ちなみに第3番(BWV1054)はヴァイオリン協奏曲第2番ホ長調BWV1042と同曲、第5番(BWV1058)はヴァイオリン協奏曲第１番イ短調BWV1041と同曲である。オリジナル・リリースのカップリングはvol.1が3・5・7番、vol.2が2・4番だった。 グールド28枚目及び36枚目のアルバム。

中でもグールドは自ら音楽を担当し、1972年に映画化されたカート・ボネガット・ジュニアの傑作『スローターハウス5』の中で第5番を使用しているのでおそらく最も納得がいった演奏だったのだろう。

グールドのバッハを演奏する歓びがオーケストラ全体に『伝染』していて、幸せな雰囲気一杯の作品だ。中でも、人気の高い第5番の第2楽章は秀逸です。

1972年3-5月　トロント、イートンズ・オーディトリアムで録音。グールド45枚目のアルバム。ほとんどの曲をピアノで演奏しているグールドが唯一ハープシコードで演奏しているアルバム。そして『フーガの技法』が唯一、オルガンで演奏しているアルバムということになる。そしてピアノにおいても、ペダルをほとんど踏まない特徴的なノン・レガート奏法であったことと、和声よりも対位法を重視し、音色への興味よりも音楽の構造に重きをおいていたことから、ハープシコードでどんな演奏をしでかすか予想して聴いた。

グールドの場合、父親に依頼して作ってもらった特製の折りたたみ椅子に座り、極端に猫背で前のめりの姿勢になり弾く。つまり打鍵が強いことを意味している。ある意味ロック・キーボーダーと似た弾き方とも言えるかも知れない。グールドはハープシコードでも同様の方法で弾いてみせる。非常に強い打鍵でおそらく普通の人なら受け入れてもらえない弾き方だ。しかしグールドはいつものように構造的に対位法をそのまま実施する。唯一無二の凄いヘンデルとなっている。

こういうグールドのこだわりが僕は好きで好きでたまらない。グールドのこだわりが最も強いアルバムのひとつでめろめろである。

幻想曲 K.475が1966年11月8日　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオ、ピアノ・ソナタ第14番 K.457が1973年11月、1974年9月、ピアノ・ソナタ第16番 K.570が1974年11月9日　トロント、ピアノ・ソナタ第17番 K.576が1974年9月7日、いずれも　トロント、イートンズ・オーディトリアムで録音。グールド55枚目のアルバム。幻想曲とソナタには8年のスパンがあるのにも注意が必要な作品だ。

僕はグールドのモーツァルトを解析する上で最も重要かつ興味深い曲は、ピアノ・ソナタ第16番 K.570だと思っている。実はまだマッキントッシュが白黒の小さな画面しか持っていなかった頃、この曲の楽譜をマックの音楽ソフトに楽譜で打ち込みをし、マックがどんな演奏してくれるかを実験してみた。驚いたのは第3楽章で楽譜のデータをそのまま入れたにもかかわらず、まるでグールドそっくりとしか思えない演奏をしてみせたのだ。そのMacは今でもSystem7のままでいつでもその曲を演奏できるように大切に保存してある。

グールドは時に楽譜の指示をまったく無視し、カデンツァを自身で作曲し、楽器を全く代え、驚くような解釈を見せてくれた。能弁なグールドはモーツァルト論も色々はっている。しかしながらここでのモーツァルトはひたすら楽譜だけでは表現しきれなかったモーツァルトの気持ちにすら到達している気がする。聴く者のシナプスはそのすばらしい波動に活性化し始める。それこそが聴くべき名演だと僕は思う。

100年後、クララ・ハスキルのモーツァルトは残っているだろうか?グールドのモーツァルトは確実に残っている、と僕は確信している。

彼の名声を高め、全世界の合唱人にその音楽が愛されるようになった切っ掛けとも言うべきＣＤです。ちょうど四半世紀前、発売されたばかりのCOLCD 100を全く偶然輸入ＣＤで手に取って以来、魅せられたように彼のＣＤや楽譜を購入して今日に至っています。

2005年に生誕60周年を迎えたラッターの代表作を再発売するにあたって4曲新録音を追加したサービスはありがたいと思いました。もっともここに収められている曲のほとんどは1983年10月の録音なのですが、同じ曲でも旧盤と比較して高音の輝きが増しています。音源が一緒なのに聴感上、華やかになっているので、「Gloria」での畳み掛けるような金管の咆哮がより明確に伝わってきます。技術的に進歩したのでしょうか。それとも若干イコライジングしているのでしょうか。そのあたり不明ですが、ケンブリッジ・シンガーズの透明なハーモニーはいつ聞いても感動的です。ラッターが表現したい音楽をそのまま表現できる合唱団を確立したことがまた成功の秘訣だったと思います。

「Cantate Domino」「Wedding Canticle」「Hymn To The Creator Of Light」「Arise, Shine」の４曲は2005年5月の録音です。ラッターファンには嬉しい追加ですが、オリジナルのＣＤを何十回となく繰り返し聴いてきたものには若干違和感が残ります。それは作曲年代の違いかも知れませんし、合唱のメンバーの違いなのかもしれません。新録音は魅力的な迫力のある声質ですが、ラッターの特徴とも言うべきポップス性からは少し遠ざかったように感じました。

「All Things Bright And Beautiful」「The Lord Is My Shepherd」「A Gaelic Blessing」「For The Beauty Of The Earth」「The Lord Bless You And Keep You」など、これほど愛すべきメロディーに彩られたアンセムを知りません。英国国教会ではあまり評価されていないようですが、世界の合唱人がその素晴らしさを確信しています。

「イロモノ」的な扱いをされないで演歌歌手として正当に評価される路線に乗った、そんな安心感を感じながらジェロさんの歌う曲を聴いておりますが、今回の「COVERS 」にはまた新たなジェロさんの「日本を歌い上げる心」を強く感じることが出来ました。

コマーシャルで流されていた「氷雨」の素晴らしさはもちろんですが、ジャズ的にアレンジされながらも冒頭の「宵闇　迫れば　悩みは　果てなし…」で始まる「君恋し」、フランク永井さんの名曲ですがフランクさんが歌える状況ではないであろう現在、この曲をこれだけ素晴らしく歌い上げる事が出来るのはジェロさんならでは、と思います。それは、元々この時代の歌謡曲の根底で流れていたであろう主流の音楽がジャズ、或いはジャジーな音楽であったからです。

「夜空」はドゥービー・ブラザース初期の名曲「ロング・トレイン・カミング」のようなカッティングのアレンジが…どうですかね、少し気になりますが。しかしサビ以降の歌唱力でそれこそ音楽を「カバー」していますね。懐かしい「本牧メルヘン」。「釜山港に帰れ」は想像どおりの出来上がり。

しかし、このアルバムの極めつけ！これは堺正章さんの名曲の一つである「さらば恋人」でしょう。文句のつけようがありません。「さよならと　書いた手紙　テーブルの上に　置いたよ…」…この詩に対するジェロさんの歌い手としての言葉への感情移入、更には堺正章さんを尊敬しながら非常に丁寧に歌う姿勢…「うたごころ」をこのジェロさんから学ばなければならないですね、今の歌手の方々は。

もはや他の方々の曲をカバーしてヒットする時期は既に半年ぐらい前から終わっている、とある新聞の文化欄に書かれていましたが、このジェロさんのアルバムは別格でしょう。お薦めします。

1967,68年　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオ及び1971年4月18日　トロント、イートンズ・オーディトリアムで録音。グールド41枚目のアルバム。最後の『Byrde: Sellinger's Round』だけが1971年である。まるで『バッハ以前の作曲家たち・バードとギボンズのコンサート』と名付けたくなるようなコンサートの一夜をアルバムで再現しているかのような作品である。

このバッハ以前の音楽を聴いて思うのはグールドが求めたのは、曲に対するアレンジの自由度ではなかったかと思える。今ではバッハはジャズのミュージシャンに多く取り上げられ、自由なアレンジで演奏される。それが後期ロマン派の曲ではその自由度がなかったので、グールドは評価しなかった。そう僕は思っている。この時期グールドは35才で、カナダ東部のノバスコシア地方を旅行したときに、列車のクラブカーのなかでウィリアム・フォーリーと知り合い、彼から『草枕』を知り以後漱石に傾倒していった頃だ。

僕はいつも『草枕』の冒頭と重ねながらこの作品を聴いてしまう。

ピアノ・ソナタ Hob.XVI:42が1981年3月11日、Hob.XVI:48が1981年3,5月、Hob.XVI:49が1981年2月24,25日、Hob.XVI:50が1980年10月13,14日、Hob.XVI:51が1980年10月14日、 Hob.XVI:52が1981年2,3月、いずれもニューヨーク、コロムビア30番街スタジオで録音。グールド72・73枚目のアルバム。

ハイドンは偽作・真偽未確定作・一部分消失作を含んで58曲のソナタを残したと言われている。このアルバムはその最後の6曲を取り上げている。このアルバムを聴いていて思ったのだがグールドの作品には聴く順番があるように思える。

まずなんと言っても有名なのはバッハなのでフツー、バッハから入るだろう。次にグールドが録音したのはベートーヴェンの後期ピアノ・ソナタなのでグールドがベートーヴェンのこの傑作をどうさばくか聴きたくなるのは当然だろう。

つづけて古典派のなかでもモーツアルトのピアノ・ソナタをどうさばくか聴きたくなるはずだ。原寮が、『グールドが"平明に"弾いたモーツアルトは傑作になりえただろうが、彼にそういう演奏を許さなかったクラシック学界というのは、私には大したものではないような気がしてくる。「グールドは誰に強制されたのではなく、あのスタイルを創りだしたのだ」と言うファンの声が聞こえてくる。しかし、本当にそうだろうか。』と書いても全然関係ない。聴けば必ず唸るはずだ。ここを通らずにはいられない。

そして次に聴きたくなるのがハイドンのソナタではないかと思う。つまりバッハをああ弾いて、モーツアルトをこう弾いたグールドがハイドンのソナタ(当然、モーツアルトと似た解釈を予想しているはずだ)をどうさばくかを聴きたくなる。

で、次に残りの作品群を探索したくなる。こういうのは優れたアーティストにはよくある現象だが、グールドの場合それが特に強い気がする。だから面白いのだけれど。

モラヴェッツ：幻想曲　ニ短調が1966年6月27,28日　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオ、アンタイル：ファンタジアが1967年7月25日　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオ、エテュ：ピアノのための変奏曲 Op.8が1967年8月11日　ニューヨーク、コロムビア30番街スタジオにて録音。グールドの29枚目のアルバム。

グールドは一生涯母国カナダを愛した。残された映像にはカナダの森をハミングしながら散歩をするグールドの姿が多く残されている。そのカナダの現代の作曲家を自らのピアノで紹介したい、という気持ちが表れたのが本作と言えるだろう。こういう気持ちは力量あるアーティストほど強いように感じる。ロストロポービッチやクレーメルが母国の不遇だったが実力ある作曲家シュニトケにこだわったのも同じ気持ちからではないか、と思う。

めったに聴けない曲ばかりである。そんな曲を弾いてもグールドはグールドらしさを存分に発揮する。本当に希有なピアニストだ。

ピアノ・ソナタ第12番 Op.26が1979年9月4,5日、ピアノ・ソナタ第13番 Op.27-1が1979年9月4日いずれもトロント、イートンズ・オーディトリアムにて録音。グールド76枚目のアルバム。

一見すると連続しテレーコーディングしているように感じられるこの辺のソナタが実は5年近くの間が空いて録音されている。最晩年にして最後のベートーヴェンのソナタということになる。枯れたような境地から紡がれるソナタは静かに静かに、かつ明白で雄弁である。歌声はほとんど聴かれない。

晩年にさしかかったグールドがこのソナタをどんな気持ちで弾いただろうか。おそらくは最初の頃の雄弁なグールドではなかったろう。喋らなくなった分、ピアノはより深く饒舌だ。

１９７６年リリースのセカンドアルバム・・・個人的にアナログを買い逃し、中古でも探せなかった１枚。死ぬまでに聴けるかなあと思っていたので、このリイシューは大感激でした！！前作のドラマー：コンラドイシドアからバーナードパーディにチェンジした事によって、インストパートがさらに充実した内容になっています・・・ジェフベック関連としても、是非押さえておきたい１枚と言って良いでしょう。裏ジャケの各メンバーの演奏写真からも感じられるように、演奏をとにかく楽しんでやっている印象です・・・１０曲中インスト４曲！！ツインリードが小粋な４曲目「ＳＣＯＲＰＩＯ」あたりには、ジェフベックに参加して欲しかったなあ！！とにかくマックスミドルトンが最高・・・歌心溢れるプレイは、本当心地良くて素晴らしい！！このようなアルバムをさりげなくリリースする「ユニバーサルミュージック」のスタッフに、惜しみない拍手を贈ります・・・ただ限定生産で、店頭から消えるのが早すぎ（涙）。追記：なんとなくヒプノシスな構図のジャケが、いけてます・・・した後なの（笑）？

ピアノ・ソナタ第5番 Op.10-1が1964年9月15日、ピアノ・ソナタ第6番 Op.10-2が1964年7月29日、ピアノ・ソナタ第7番 Op.10-3が1964年11月30日いずれもニューヨーク、コロムビア30番街スタジオにて録音。グールド20枚目のアルバム。

グールドは2枚目のアルバムでベートーヴェンの後期最後の3曲のソナタを取り上げ、次にピアノ協奏曲をほとんど取り上げ、この初期のピアノ・ソナタへと回帰している。つまりはやりたい順序、とも言えると思う。色々ベートーヴェンに対しては文句をライナー・ノートやインタヴューで発している割にはベートーヴェンの録音はとても多く、最も評価していたR.シュトラウスはとても少ない。この辺がグールドらしくて面白いところだ。

このアルバムの第5番の第1楽章など歌曲かと(?)思うばかりに歌ってしまっていて、極めて上機嫌かつ楽しそうである。絶対にベートーヴェンを弾くことが楽しくない、とは思われない。むしろ一番のお気に入りのようにも感じられる。なかなか一筋縄ではいかないのがグールドである。

ピアノ・ソナタ第8番 Op.13『悲愴』が1966年4月18,19日、ピアノ・ソナタ第9番 Op.14-1が1966年2月3日、ピアノ・ソナタ第10番 Op.14-2が1966年2,5月。いずれもニューヨーク、コロムビア30番街スタジオで録音。グールド27枚目のアルバム。

つまり、『三大ソナタ』のアルバムと『悲愴』は同一ソース、ということになりそうだ。色々ベートーヴェンの作品を悪く言っているグールドだが、楽聖の作品を徹底的に研究した上で悪口を言っている。これはなかなかできないことだ。たいして調べたり研究したりせずに『悪い』と言うのとは全然違う。スタジオに籠もりっきりでベートーヴェンのピアノ・ソナタと格闘し続けていたのがこの時期のグールド、と言えると思う。全てが自らの結論的解釈の証明のための録音なのだ。好き嫌いでなく、研究する価値があるものを演奏した。それがグールドだと思う。

このアルバムでは第9番が気に入っている。快速強弾の弾き様にただ圧倒される。

イースト・ワークスといえば、綾戸智絵を除いて、ちょっと難解で、メインストリームから外れた感じがしていたが、そのレーベルから南博のスタンダード集が出た。マイ・フーリッシュ・ハート、ミステリオーソなど、それぞれ、エヴァンス、モンクの印象が強すぎる曲をどのように料理するのか？装飾的な音や、オリジナルの印象を薄めようと、やたら難解なアレンジか？と思って聴くと、みごと外れた。音数は少なく、しかし、ぎりぎりの南博的音を出す。まさに都会の粋。実力、天分がなければ、こうはいかない。独自の世界を構築する自信あればこその曲選び。「カクテル・ピアノ的ポピュリズム？」の風潮におもねらず、しかし、ジャズの王道を行く一枚（松本敏之）

ピアノ・ソナタ第8番 Op.13 『悲愴』が1966年4月18,19日、ピアノ・ソナタ第14番 Op.27-2『月光』が1967年5月15日、ピアノ・ソナタ第23番 Op.57『熱情』が1967年10月18日　、いずれもニューヨーク、コロムビア30番街スタジオで録音。グールド37枚目のアルバム。

グールドのアルバム「三大ソナタ集」は，ベートーヴェン生誕 200 年にあたった1970 年に１枚のアルバムとして発売された。しかも自筆のライナーノーツには，「三大ソナタ」に対する強い懐疑の念を表明している。そしてこの中でグールドは，題名のついた「人気のあるソナタ」６曲（三大ソナタに加えて「田園」「ワルトシュタイン」「告別」）に言及し，「月光」と「告別」以外について，「ベートーヴェンの創作活動の金字塔となった作品はひとつもない」と断言している。その上で，「このアルバム全３曲のうち，《悲愴》と《熱情》の２曲は，構成について何らかの大胆な発想を秘めているかどうかよりも，当時のベートーヴェンの姿勢がどのように示されているかの方が注目に値する」と述べている。一方、晩年には第12番・第13番・第15番を高く評価するとも表明している。いったいどれが結論なのか、はたまたホントに気に入らなくても録音を残すものか。ますます真意への謎は聴く前から深まる一方となってしまう。

その上グールドは，「グレン・グールド，ベートーヴェンについてグレン・グールドに訊く」というセルフ・インタヴュー風の記事まで書き，自分のベートーヴェン観を論じ立てている。実に能弁なピアニストだ。

まとめればこの「三大ソナタ集」は自身の構造的疑念を明らかにするための所作、と言えるかもしれない。特に『熱情』ではいやいや弾いているのが見え見えだが、それでも面白い出来栄えになっている。つまりこのアルバムはグールドのライナーにおける解釈論を吟味し、それを彼が証明するように具現化をピアノでやってみせている、という驚くべき録音ということになるだろう。やることに妥協がないのだ、グールドという人は。

ウィーンフィルはマーラーゆかりのオーケストラやのに、マーラー録音は取り立てて多くない気がいたします。ウィーンフィルだけで全集録音になって居るのは、マゼール盤だけではないやろか。

ウィーンフィル・ファンのわてにとっては、本盤は堪えられない一枚。やはり純音楽的で、交響的ながら、ちょっと人工的な感じもするマゼールとのウィーンフィルと較べて、本盤ではアルマの主題は実に郷愁を誘うし、終楽章のカウベルの前にも、ノスタルジー一杯のウィーンフィル・サウンドが聴かれますがな。各楽器の音が聴き取りやすい演奏は、この指揮者の特徴でしょうけども、1楽章や終楽章での全員一丸となってガッツのある主題もやはり、ウィーンフィルならでは。半分はウィーンフィルのマーラー、半分はブーレーズのマーラーでしょうなあ。

このコンビの5番もそうなんですが、3楽章のように叙情的な楽章は、やや控えめな味付けが却って聴き手の情感に訴える気がいたします。中欧の素っ気ないマーラーとよく言われるノイマン先生が、最晩年はなりふり構わず主情を訴えているのに対し、本盤は実に交響的でしっとりした情感に溢れとる。低域の金管は全楽章通じ、名人芸に聴き惚れ通しですし、2楽章だったかと終楽章で聴かれるヴァイオリンのソロもエエ。ウィーンフィルでないと出せん音ですわな

ウィーンフィルはマーラーゆかりのオーケストラやのに、マーラー録音は取り立てて多くない気がいたします。ウィーンフィルだけで全集録音になって居るのは、マゼール盤だけではないやろか。

ウィーンフィル・ファンのわてにとっては、本盤は堪えられない一枚。やはり純音楽的で、交響的ながら、ちょっと人工的な感じもするマゼールとのウィーンフィルと較べて、本盤ではアルマの主題は実に郷愁を誘うし、終楽章のカウベルの前にも、ノスタルジー一杯のウィーンフィル・サウンドが聴かれますがな。各楽器の音が聴き取りやすい演奏は、この指揮者の特徴でしょうけども、1楽章や終楽章での全員一丸となってガッツのある主題もやはり、ウィーンフィルならでは。半分はウィーンフィルのマーラー、半分はブーレーズのマーラーでしょうなあ。

このコンビの5番もそうなんですが、3楽章のように叙情的な楽章は、やや控えめな味付けが却って聴き手の情感に訴える気がいたします。中欧の素っ気ないマーラーとよく言われるノイマン先生が、最晩年はなりふり構わず主情を訴えているのに対し、本盤は実に交響的でしっとりした情感に溢れとる。低域の金管は全楽章通じ、名人芸に聴き惚れ通しですし、2楽章だったかと終楽章で聴かれるヴァイオリンのソロもエエ。ウィーンフィルでないと出せん音ですわな